Abducción

El pasado lunes 10 presentamos  Abducción el nuevo trabajo de Destino.

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. Como ya comenté en el post de Resonancias y vibraciones ha sido un proyecto en el que
empezamos a grabar con la idea de hacer seis temas  en un plazo máximo de tres meses y
terminamos haciendo trece en dos años.
En la idea inicial Destino producía todos los temas, pero en todo este tiempo de pruebas
algunos temas los he acabado produciendo, remezclando o coproduciendo.
Por otro lado las colaboraciones  han ido surgiendo de forma natural a lo largo de todo el proceso.
Muchas de ellas ( como es el caso de Úrsula, Lady Emz, Donald Mason o Eunnum)
simplemente estaban por el estudio,  escucharon algo del trabajo y se ofrecieron a participar.

Este es el tema del que hablamos en Resonancias y vibraciones

Otra de las curiosidades del disco, es en el tema de Dayton donde colabora Úrsula,
además es una muestra clara de la las liadas que nos pegamos para hacer el Disco.

El track musicalmente juega con varias inversiones de acordes, en la parte final de la primera
versión le hicimos una subida de cuartas a séptimas.
Ya a punto de mezclar, decidimos añadirle un nuevo pequeño final.
Una vez listo ocurrió una de esas  coincidencias temporales amables. y nos llevo a producir
 un tercer final al tema .
Escuchando la prueba en el Home studio de casa decidí añadirle una cuarta y última parte
que cerrase  la canción.
Así un tema originalmente de dos minutos y medio termina durando casi seis minutos.

ESCUCHATE EL TRACK  

El Experimento parte 2 (búsqueda).

Pasado el primer subidón inicial, volví a mi búsqueda de información.

Descubrí que a lo largo de la historia se han usado una infinidad de afinaciones
diferentes.

Aquí os lo dejo de forma cronológica.


 446 Hz: Renacimiento
 415 Hz: instrumentos de viento de madera,  (siglo XVII y XVIII).
 465 Hz afinación muy usada en la Alemania del siglo XVII
 480 Hz: órganos alemanes que tocaba Bach (principios del s. XVIII).
 422,5 Hz: diapasón asociado con Georg Friedrich Händel (1740).
 409 Hz: diapasón inglés (1780).
 400 Hz: diapasón (fines del s. XVIII).
 450 Hz: diapasón (fines del s. XVIII).
 423,2 Hz: diapasón del teatro de ópera de Dresde (1815).
 435 Hz: diapasón (1826).
 451 Hz: diapasón de La Scala de Milán.
 430,54 Hz: afinación “filosófica” o “científica”.
 452 Hz: “tono sinfónico” (mediados del siglo XIX).
 435 Hz: “tono francés” comisión estatal de músicos y científicos franceses (1859).
 435 Hz: “tono internacional” Congreso de Viena (Conferencia Internacional sobre el Tono, 1887).
 444 Hz: afinación de cámara (fines del s. XIX).
 440 Hz: Reino Unido y Estados Unidos: (principios del siglo XX).
 440 Hz: Conferencia Internacional (1939).
 440 Hz: Organización Internacional de Estandarización (1955).
 440 Hz: Organización Internacional de Estandarización ISO 16 (1975).
 435 Hz: el bandoneón actual. (no afinable por el intérprete.)
 442 Hz: Instrumentos de la familia del violín.


Podemos observar como en cada época se ha adaptado la afinación, ya sea por un motivo
matemático, físico del instrumento, por ubicación geográfica o por propia comodidad de
 los cantantes.

Además hay que tener en cuenta que cada familia de instrumentos tiene su propia
característica a la hora de generar sonido.

Debido a esto existen varios tipos de sistemas de afinación.

-Los instrumentos de cuerda con trastes (Guitarra, bajo, ukelele...) usan el sistema temperado
o el de quintas perfectas.

-En el piano también se usa el sistema temperado.

-En los instrumentos de cuerda frotada se pueden usar los sistemas justo y Pitagórico.

-Los instrumentos de viento de madera se fabrican en base al sistema temperado.

-En instrumentos de viento de metal todas las llaves y pistones se ajustan con el sistema
 temperado.





En este video podeis oir como suena una acorde de La menor séptima en distintas
afinaciones.

Durante el siglo XVI se usaba una afinación por debajo de los 480Hz debido a un problema
físico de las propias cuerdas, estas se fabricaban con intestino y no eran capaces de soportar
la tensión que se genera por  encima de los 480Hz.


En el  siglo XVII la afinación venia marcada por los órganos de las iglesias y esta podía
variar en cinco semitonos de una iglesia a otra, todo dependía de la construcción de los
 tubos de los órganos.

Uno de los grandes músicos del siglo XVIII y de todos los tiempos Johan Sebatian Bach
basaba su afinación en los 480Hz por el contrario en esa misma época en Inglaterra
usaban el LA a 380Hz.
En ese mismo siglo se empezó a intentar estandarizar una frecuencia de afinación concreta,
por lo menos dentro de la misma ciudad ya que empezaban a combinarse órganos de iglesia
con secciones de cuerda.

Tres afinaciones fueron las más destacadas del siglo XIX, la primera de ellas, la del teatro
de la ópera de Dresde 423,2 Hz a principio de siglo y que aumentó a 435Hz
durante el fin del mismo.
La tercera fue La Scala de Milán a 451Hz.


La afinación filosófica o científica ajustaba el Do a 256Hz y el LA quedaba en 430,54Hz.
Esté tipo de afinación hacia que todos los do fueran potencia de 2. Aunque matemáticamente
muy atractiva no llego a ser muy usual.

En 1939 una conferencia internacional recomendó que el La encima del Do central se afinara
a 440 Hz.
El estándar fue aceptado por la Organización Internacional de Estandarización en 1955
(y fue reafirmado por ellos en 1975) como ISO 16.

Si nos detenemos en el siglo XX podemos encontrar ciertas historias oscuras sobre la
conferencia internacional que estandarizó el 440.

En el próximo post hablaré sobre eso y como empezamos las primeras pruebas.

El Experimento parte 1.(Exposición)

Todo empezó a principios de octubre del 2010, navegando por la red me encontré
con un libro llamado A Geometry of Music de Dmitri Tymoczko
(es bastante denso pero lo recomiendo).

 Hallar este libro me sumió mucho más en la búsqueda de información y un día me tropecé
con una serie de artículos que hablaban sobre la afinación de los instrumentos.
En ellos se planteaban varias cuestiones interesantes, la primera de ellas ya picó mi curiosidad.
Por que se usa como standard en afinación el LA a 440Hz? La mayoría de músicos,
entre los que me incluía yo hasta aquel entonces, llegamos al estudio o a un bolo,
sacamos nuestro afinador, afinamos y lo hacemos a una frecuencia concreta,
la que nos enseñaron, la que nos dijeron.

Quien decidió eso? Fue siempre así? Existe algún beneficio para la propia música?
Es por una cuestión física o mecánica de los instrumentos?

Varios de esos artículos sugerían que la afinación correcta debía de ser en La 444Hz,
 pero tampoco mostraban muy claramente el porqué.
Decidí indagar en los 444Hz y encontré varios Websites con información al respecto,
el más completo era un página llamada www.528love.com

El administrador de la página y también máximo promotor, el Dr. Leonard G. Horowitz
sostiene que afinando a 444Hz el Do (C) siguiente al La (A) cae en 528Hz y que dicha
frecuencia tiene relación directa con el amor y la espiritualidad además de unificar el campo
de la metafísica musical con la fractalidad del universo.

Bueno así a primeras lo que me transmitió fue que no era mas que propaganda New Age,
pero la curiosidad era intensa y seguí con mi búsqueda.

Encontré otro artículo que relacionaba la frecuencia de 528Hz con cierto tipo de reestructuraciones
que algunos genetistas aplicaban para restaurar las cadenas del Adn humano.
Este nuevo giro le daba más seriedad a la investigación y un poco de luz a la idea de estar
entrando en terreno desconocido o mejor dicho, poco explorado.
Después de encontrar un par de libros que supuestamente apoyaban la tesis de Horowitz,
 mi convencimiento sobre el 528 creció y decidí hacer partícipes de los descubrimientos
 a dos de los colaboradores habituales de Hardly.

-Donald Mason (músico, neurolinguísta, psicólogo).
-Iván Puchol (músico, cantante, productor).

Aprovechando que hacia poco habíamos grabado un tema nuevo para el disco de Donald
 (masondo) decidimos volver a grabar de nuevo la canción variando la afinación a 444Hz.

Una vez estuvo listo hicimos la comparativa entre los dos temas, nos quedamos asombradisimos,
 la nueva versión era mucho mas agradable que la versión a 440Hz.
El Mundo se abría a nuestros pies.

(Fin de la primera parte).

Got You the paper? No, they got...

Aprovechando que hoy se ha estrenado el nuevo vídeo de la Revenge "i got the paper"
os dejo este post.

El nuevo disco de la Revenge se llama Cash-cash y saldrá para el próximo mes de Octubre.

Este Single de presentación fue grabado en Hardly Brez, junto con los restantes temas del disco.

La gente de NarfStudio se ha ocupado de todo el tema Visual del Clip.

El musicón viene de la mente y las manos de uno de nuestros Turntablistas favoritos Dj D-Beam.

Aquí esta el vídeo.






Algún dato curioso de la grabación?

En ella utilizamos lo que yo llamo grabación en loop multitrack. Se marca la zona de duración
del párrafo y se loopea, el artista interpreta la letra varias veces seguidas mientras
el secuenciador va repitiendo la zona marcada.

Una vez finalizado se realiza un desempaquetamiento de pistas se hace una escucha y selección
compás por compás y se forma una pista Main.

Aunque hace muchos años que grabo a la Revenge hasta Cash Cash no habiamos usado este método y
creo que todos quedamos muy contentos con el resultado.

Aquí un vídeo Promo de la grabación en Hardly.





A la hora de realizar una grabación vocal hay que tener en cuenta varios factores,
 los principales son:

-Intensidad (depende del tipo de tema y tipo de persona, eso nos lleva a un gain o a otro).
-Tono ( esto se corrige eligiendo bien la microfonia y la distancia de la fuente).
-Timbre ( microfonía y procesado son muy importantes).

En el caso de La Revenge, usamos, en las tomas de Widi un pequeño truco llamado "PEN TRICK".
Widi tiene una voz con mucha intensidad y una zona de  medios-graves muy suave, pero una parte
de agudos muy Moody y agresiva a veces.

El PEN TRICK consiste en colocar un lápiz o un bolígrafo unido al centro del antipop, este crea una desviación y dispersión de las altas frecuencias que son muy directivas.

Ventajas, de este modo te evitas tener que tirar de de-esser o por lo menos te ayuda a rebajar un poco el Threshold en caso de usar  el de-esser.

Coincidencias temporales amables.

Así me gusta llamarles a  esos "errores" que pasan casualmente cuando estas produciendo
y de forma casi milagrosa se convierten en algo que ayuda a mejorar la canción.

Un ejemplo claro es tener el secuenciador en play y de repente no sabes por que eso se cuelga
en un punto y te crea una repetición a modo de Stutter, rápidamente presionas
 manzanita option escape, eso se detiene, pero tu dices.
-Que Guapo!!
y en tu mente ese stutter ya esta colocado en su sitio, con sus filtros y sus fades.

Otra coincidencia bastante habitual es que alguna secuencia del tema se mueve
sin querer unos milisegundos y eso lejos de arruinar el tema, le da un groove que rara vez se te
hubiera ocurrido de otro modo.

Hace poco también me ocurrió una  curiosidad mientras usaba el Traktor para grabar
unos scratches, en un punto justo al final de una serie, el plato perdió su sincronía
y empezó a reproducirse al revés (dentro del software) eso causó que la serie adquiriese
un color específico.

Hay veces que estos fallos te llevan a pensar el punto de implicación del propio creador
de la canción  o si la música por si misma es capaz de expresarse y pedir lo que más necesita
en cada momento.

Igual que en la composición clásica existe la gravedad tonal y en ciertos momentos
nos podemos desplazar por ese eje gravitatorio. En la creación con secuenciador podemos buscar
nuevos ejes mediante efectos y procesado.
Tampoco creo que el enfoque de una producción deba centrarse en esperar a que algo ocurra,
pero estando en pleno trabajo las probabilidades se disparan y  en uno segundos
 puedes encontrarte en situaciones totalmente imposibles de vaticinar.

- El estudio es un lugar donde deben ocurrir cosas, si no es así ,malo.
esto me lo dijo una vez me dijo el gran maestro del sonido Pere Aguilar.

Hablando de coincidencias, aquí tenéis unos vídeos sobre tomas estereofónicas
de pares coincidentes.

Tranki Gordo Punteo y Eterófono.

Mientras voy recopilando la información del experimento y preparando el post, explicaré
un poco el proceso de creación del Disco de Bajo Fianza " TGPV" (Tranki Gordo Punteo y Vacileo).

Como dato curioso decir que toda la grabación de los dos Mc´s (Cino y Salbod) fue realizada
a modo de "Live", cada uno en una sala separada y grabando a la vez, mientras uno rapeaba
el otro le hacia los coros y viceversa.
De este modo conseguimos una "energía" que es mas difícil de lograr por sistema de overdubbing,
este método también obliga a los Mc´s a ensayar los temas a conciencia  y eso eleva el resultado
de la toma.

En uno de los tracks, el 1.8, le añadimos unas tomas de Theremin o Eterófono
como era llamado en sus inicios.
El Theremin es un instrumento electrónico que se toca sin ser tocado,
Dispone de dos antenas,una de ellas (horizontal) controla el volumen y la otra (vertical) controla
el tono,la variación de cada una depende de las distancia en la que se encuentren las manos
de las antenas.

Aunque pueda parecer algo futurista ya casi han pasado 100 años desde su invención
por el físico ruso Leon Theremin.

Volviendo al tema (quien no lo conozca puede saber más sobre el instrumento  googleando un poco)
ya hace unos cuantos años que soy aficionado al  Theremin y aunque mi ejecución es totalmente
pésima (lo normal cuando no se es constante) de vez en cuando me sale la bravura y me lanzo.

Todo surgió debido a un problema con una de las pistas del tema 1.8, al volcarlas se quedo muteada,
esta pista era de un sintetizador tocado por Salbod que hacia a su vez de intro de la canción.
Cuando nos dimos cuenta estabamos ya en fase de mezcla y teniamos que cerrar el tema .
Justamente unas horas antes había estado grabando efectos con el theremin y unas pedaleras,
claro el set del theremin estaba por en medio del Control Room.
  -PUES DALE NO!!

Esta fue una de las primeras tomas, Salbod la filmó desde su móvil.

Una de las características de las producciones de Salbod es que consigue crear una atmósfera
muy intensa usando muy pocos elementos, eso visto desde el punto de vista del mezclador,
se traduce en libertad a la hora de crear espacios para llenar el campo estéreo y poder engordar los
los sonidos sin llegar a sufrir excesivamente por los enmascaramientos frecuenciales.


Sintiendo esa libertad,  nos centramos mucho en el sonido de los sintetizadores,
en alguno de los temas usamos un Preamp a válvulas para añadir saturación y engordar
los sintes, en otros el Drive de una Eq  Paramétrica Moog que tenemos en Hardly,
esta suele funcionar muy bien para darle Boost a los sintes generados con Vst o AU.

Este es el Enlace al Blog de Bajo Fianza.

http://bajofianza-pb.blogspot.com.es/

Por último unas imágenes de la grabación. (33-Feo1-Salbod-Cino-iLo).

Cymatics

Fue durante mi época universitaria cuando escuché por primera vez el término Cymática,
recuerdo que estábamos en la cámara anecoica haciendo pruebas con grabaciones binaurales y
uno de mis compañeros me hablo sobre un libro llamado Cymatics a study of Wave Phenomena
El libro lo había escrito un investigador y científico llamado Hans Jenny, lo que demostraba
la investigación de Hans era que aplicando  una onda de sonido a diferentes tipos de materiales,
estos variaban su forma en relación directa con la frecuencia que se le aplicase,
a mayor frecuencia mayor complejidad presentaban las figuras.

La conclusión es que el sonido y su vibración dan forma a la materia y la estabilizan
mientras dure la vibración.

El concepto es algo acojonante y me dejo perplejo, me sentía capaz de palpar la propia estructura
del universo, saber que todo lo sólido esta en vibración permanente y hacerse consciente de ello, a
pesar de ser imperceptible a nuestros limitados sentidos humanos, puede llegar a ser un shock.

Porque que cuento todo esto?

Simplemente es el prólogo de las próximas entradas sobre los 440Hz y lo que hizo de desencadenante
para que iniciáramos en Hardly una serie de experimentos sobre afinación de los instrumentos.

Aquí tenéis unos vídeos sobre cymática para quien no haya oído sobre el tema.




El experimento ha sido  realizado por Donald Mason, Iván Puchol y un servidor.
Veinticinco personas de entre 16 y 55 años han colaborado desinteresadamente, este grupo de
voluntarios estaba compuesto por músicos profesionales, músicos aficionados y gente sin relación
con el mundo de la música. Veinte de ellos eran hombres y cinco mujeres.

Dicho esto, es momento de detenernos y dejar el resto para las próximas entradas.

Resonancias y vibraciones

En esta primera entrada oficial, pasadas  las presentaciones, os voy a hablar de un trabajo que se lleva cociendo en Hardly cerca de dos años. Se trata de un proyecto muy personal, en el que nos hemos permitido el lujo de experimentar, modificar y llevar al límite las sensaciones que nos transmitía en cada instante.  Su autor y protagonista "Destino" y un servidor nos hemos dejado llevar a lo mas profundo de nuestro ser (  incluso a veces primitivo ser) para engendrar este abducción.
Han sido muchisimas horas,compartiendo y aprendiendo, creando una amistad por encima de lo musical, pasando por varias etapas, creativas y personales.
Como en este blog voy a intentar no centrarme en promocionar los trabajos si no mostrar curiosidades o datos interesantes sobre los mismos, os contaré una de las "frikadas" que realizamos en uno de los temas.

El Track en cuestión se llama The Pumpers, recuerdo que en esa época yo estaba haciendo unos experimentos basados en resonancias, el experimento surgió a raíz de un vídeo que vi sobre una artista llamada Christine Sun Kim .
Christine es una artista de performance que explora el sonido a partir de la dimensión física y del movimiento. Es sorda de nacimiento y compone música sintiendo las vibraciones de las resonancias.

Os dejo el vídeo en cuestión.



Cuando empezamos a trabajar The Pumpers teníamos muchas expectativas, creativamente hablando,
pero una vez estuvo listo, no nos lleno, esperábamos alguna otra cosa, una sensación que no era lo que debía ser. 
En uno de los descansos, le hablé a Destino sobre los experimentos de las resonancias y bromeando entre calo y calo decidimos intentar juntar todo aquello.
El experimento consistía en varios parches de caja (de batería) unidos a varias bordoneras de diferente tamaño y generando tonos senoidales con un oscilador, hacer barridos hasta hallar las frecuencias de vibración del objeto y añadirle feedback poco a poco.

Lo que hicimos fue unir un altavoz a los parches (sellando los laterales) y enviamos la señal de la voz principal, en el otro extremo colocamos un micro de condensador que recogía las vibraciones de las bordoneras.
Así fuimos grabando las distintas resonancias de las  frecuencias que nos daban las bordoneras
y lo añadimos a la pista principal filtrando las zonas donde estas coincidían.

Esto nos creo una adicción y empezamos a pasar todas y cada una de las pistas de la canción,
variando los feedback según nos parecia más adecuado.

Unas 5 horas despues teniamos todo listo.

Al oírlo desde "el lounge" anexo al Control Room cigarrito en mano, pensamos, RESONANNNTE!!
Es un tema de cinco minutos y se hacia un poco pesao.
Para contrarrestar añadimos una pista que aleatoriamente generaba contrafases con la resonancia y la hacíamos desaparecer y aparecer dándole mucho mas movimiento si cabe.

Y bueno esta es la historia, el día 10 de Septiembre saldrá el disco y subiremos el track para que quien
quiera pueda escuchar el resultado.

Ups!! Hardly en blog

Largo tiempo llevo con la idea de empezar un blog. Hay dias en los que llega el momento de hacer lo que debes hacer y hoy, para mí, es empezar con esto.
La idea que ha rondado en mi cabeza todo este tiempo ha sido la de explicar lo que va ocurriendo en Hardly, mas alla del tema musical concreto o de las grabaciones en sí mismas  o de los próximos lanzamientos... En Hardly somos gente curiosa y nos gusta cruzar la linea de vez en cuando.

Durante los dos últimos años hemos estado  haciendo una serie de experimentos relacionados con la afinación de los intrumentos, un tema muy discutido en la red y en los canales alternativos.

En futuras entradas voy a ir recopilando toda la info y colgándola, para uso y disfrute de quien la necesite.

Uno de los temas mas debatidos en Hardly ha sido sobre neurolinguística y percepción sonora.

Tambien estamos investigando (y poniendo en práctica) el método Lidio de organización tonal. Una revolución que aplicaron genios como Miles Davis, Debussy o Bach.

Junto a todo esto hablaremos de las Jam Session que hacemos cada Jueves en Hardly.

Bienvenido sea todo aquél que venga con respeto y humildad.